Se puede considerar que la historia de Metallica comenzó en 1980 cuando un joven danés llamado Lars Ulrich se traslada junto con su familia a Los Ángeles. Hijo del tenista profesional Torben Ulrich  había desarrollado una enorme afición por el heavy metal durante los ‘70, cuando  la NWOBHM  reinaba en la escena underground europea, y con su traslado a Estados Unidos, dicha afición se convertiría prácticamente en una obsesión, sobre todo centrada en los grupos más desconocidos de la nueva corriente inglesa. Su prioridad al llegar a Los Ángeles, sería la de explotar su capacidad musical junto con otros jóvenes. Esto le llevaría en 1981 a publicar un anuncio en la revista Recycler solicitando un guitarrista para formar una banda con influencias de las bandas de la NWOBHM. Otro joven llamado James Hetfield, hijo de un propietario de una compañía de camiones y de una cantante de ópera respondió a su anuncio. La clave de esta unión fue el tema que Lars tenía reservado por parte de su amigo Brian Slagel, fundador de la por entonces recién creada compañía discográfica Metal Blade Records, en el primer recopilatorio que editaría el sello, titulado Metal Massacre.

Ulrich se trasladó al local que Hetfield poseía junto a su amigo Ron McGovney. Hetfield le pidió a McGovney que tocara el bajo en la banda y se ofreció a enseñarle. Además, Ron fue el diseñador del ya famoso logotipo de la banda. Tras incesantes intentos de conseguir un guitarrista líder dieron con  Dave Mustaine completando así la primera alineación de Metallica.

El nombre del grupo fue ideado por un amigo de Lars llamado Ron Quintana, quien barajaba “Metalmania” y “Metallica” como posibles nombres para un nuevo fanzine musical, aunque se inclinaba más por el segundo. A Ulrich le gustó tanto este último que rápidamente le recomendó (a Quintana) el primero para poder usarlo él. Con la edición de Metal Massacre en el mes de julio de 1982, el grupo, decidió grabar su primer demo, titulado “No Life ’til Leather” probablemente en una alusión al álbum de Motörhead “No Sleep ’til Hammersmith“.  Con una agenda de conciertos cada vez más ajustada, Hetfield y Ulrich comenzaron a plantearse la sustitución del  McGovney. Es en ese momento cuando empiezan a aparecer los problemas con Dave Mustaine, derivados de un carácter extremadamente violento unido al consumo extremo de alcohol y drogas. Conocedor de la necesidad de Metallica de reclutar un nuevo bajista, Brian Slagel recomienda a Lars y James la banda Trauma. Hetfield y Ulrich quedarían totalmente impresionados con la destreza y presencia en el escenario de su bajista, Cliff Burton, ofreciéndole inmediatamente el entrar a formar parte de Metallica.

A los diez días de su llegada a Nueva York, la situación con Mustaine se hizo insostenible, con lo que Hetfield y Ulrich sorprendieron a un Mustaine recién despierto para anunciarle que estaba fuera del grupo. Los integrantes ya estaban preparados para esto. Le pidieron a Zazula que se pusiese en contacto con el guitarrista de Exodus, Kirk Hammett, para unirse a la banda. Alumno de Joe Satriani, Hammett introduciría un sonido más melódico, técnico y estilizado en Metallica, que se haría patente a partir del segundo álbum del grupo, puesto que el primero estaba compuesto en su totalidad en el momento de su entrada.

Tras seis semanas, el primer trabajo de Metallica sería lanzado en el mes de julio bajo el nombre Kill ‘em All (1983). Zazula, incapaz de encontrar una compañía discográfica interesada en publicar el disco, optó finalmente por la fundación de un sello propio, Megaforce Records. Se consiguió la cifra de 17.000 copias vendidas en las dos primeras semanas, y sobre todo, Kill ‘em All contribuyó notablemente a extender la buena reputación de Metallica, recibiendo una avalancha de críticas favorables por parte de la prensa, que ya comenzaba a verlos como los iniciadores de una nueva corriente en el metal. Posteriormente, la cifra de copias vendidas del disco llegaría hasta las 300.000. Como forma de promoción, Zazula organizaría un tour conjunto con Raven que los llevaría por todo Estados Unidos, constando de 35 fechas y bautizado como Kill ‘em All For One Tour (el álbum que Raven se encontraba promocionando se llamaba All For One).

Terminada la gira, Metallica entraría el 20 de febrero en los Sweet Silence Studios de Copenhague para la grabación de su segundo álbum, recayendo todo el peso de la producción en el ingeniero residente Flemming Rasmussen. El ajustado presupuesto del que Zazula disponía se convirtió en el principal problema durante la grabación del álbum, que transcurrió a un ritmo frenético durante menos de un mes, quedando finalizada el 14 de marzo. Con este nuevo trabajo, Metallica tendría que afrontar por primera vez críticas provenientes de sus propios fans debido a la filtración de cuatro temas del álbum en forma de demo de trabajo, concretamente “Fight Fire With Fire“, “Creeping Death“, “Ride the Lightning” y la experimental e instrumental “When Hell Freezes Over“, primer nombre de la después conocida como “The Call of Ktulu“.

Ride The Lightning (1984), nombre que recibiría finalmente el álbum, supondría un gran cambio en el sonido de la banda, que se adentraba en terrenos mucho más melódicos y sinfónicos. Las labores de composición contaron con la colaboración de Burton y Mustaine. Nuestro Temazo! “For Whom The Bells Tolls” es el tercer corte del álbum. La introducción del tema fue realizada por el bajo de Cliff Burton distorsionado, por lo que parece una guitarra. Esta intro fue escrita por Burton antes de unirse a Metallica. El título de la canción proviene de la novela de Ernest Hemingway del mismo nombre (en español: Por quién doblan las campanas) acerca de la Guerra Civil Española. Fue versionada por la propia banda en el disco grabado junto con la orquesta de San Francisco en 1999,  S&M. En las versiones en directo de la canción, ésta suele comenzar con un solo de bajo en memoria del fallecido Cliff Burton.

Como curiosidad las campanas del comienzo de la canción son interpretadas cada vez que los Chicago Bears, equipo de la NFL National Football League de fútbol americano consigue un touchdown.

Directo Oakland 1985:

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Directo Seattle  1989:

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Directo San Diego – Live Shit 1992:

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San Francisco Symphony & Metallica 1999:

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Live Mexico City 2009:

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Letra:

Make his fight on the hill in the early day
Constant chill deep inside
Shouting gun, on they run through the endless gray
On they fight, for they are right, yes, but who’s to say?
For a hill, men would kill. Why? They do not know
Stiffend wounds test their pride
Men of five, still alive through the raging glow
Gone insane from the pain that they surely know

For whom the bell tolls
Time marches on
For whom the bell tolls

Take a look to the sky just before you die
It’s the last time you will
Blackened roar, massive roar, fills the crumbling sky
Shattered goal fills his soul with a ruthless cry
Stranger now are his eyes to this mystery
He hears the silence so loud
Crack of dawn, all is gone except the will to be
Now they see what will be, blinded eyes to see

For whom the bell tolls
Time marches on
For whom the bell tolls

Dedicado a Cliff Burton.

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La banda, oriunda de New York, originalmente se llamaba The Neon Boys y estaba conformada por Tom Verlaine, Billy Ficca y Richard Hell. Verlaine y Hell (cuyos nombres reales son Thomas Miller y Richard Meyers respectivamente) se conocían desde que eran adolescentes. El grupo grabó algunos sencillos con esa formación entre 1972 y 1973. Ese último año, el grupo se reformó cambiando su nombre a Television, e incorporando a Richard Lloyd como segundo guitarrista. Lloyd se unió al grupo tras ver una presentación en vivo del mismo y de hablar con el mánager del grupo, Terry Ork.

Television fue el primer grupo de rock en tocar en el club CBGB. Antes de que el grupo tocara allí, la mayor parte de los artistas que habían tocado en el mismo eran músicos de country, bluegrass y blues. El grupo buscaba un bar en el cual tocar cuando descubrieron el club, y tras hablar con el dueño del local, Hilly Kristall, y tras convencerlo de que tocaban ese tipo de música (aunque no fuese cierto), este les permitió tocar allí los domingos a la noche. La primera presentación del Television en el club se produjo el 31 de marzo de 1974, y al poco tiempo el grupo comenzaría a tocar allí los viernes y sábados. El club se convertiría en un lugar clave de la escena punk y new wave neoyorkina, y allí a los pocos meses artistas como Patti Smith, Ramones, Blondie y Talking Heads comenzarían a presentarse frecuentemente en el club.

En 1975 el grupo grabó una demo con Brian Eno para Island Records, pero el sello decidió no firmar un contrato con el grupo. Verlaine tampoco quedó satisfecho: según él, Eno no es tan bueno como productor que como artista, y grabó la música del grupo “sin resonancia”. Hell dejó la banda en ese mismo año debido a sus conflictos con Verlaine, y en ocasiones se considera que la falta de habilidad de Hell en su instrumento pudo haber sido el motivo por el cual debió dejar el grupo. Hell estaba decepcionado debido a que Verlaine no quería grabar ninguna de sus composiciones, mientras que Verlaine estaba molesto con la forma en que Hell se movía en el escenario en los recitales del grupo. Su reemplazante fue Fred Smith (que también fue miembro de Blondie), con quien el grupo grabó el sencillo “Little Johhny Jewel” en el mismo año, el cual fue lanzado en octubre por el sello del grupo, Ork Records. El sencillo logró relativo éxito en la escena underground, vendiendo 6000 copias en Estados Unidos y Europa.

El primer LP de la banda, lanzado en 1977, fue Marquee Moon, el cual es usualmente considerado como su álbum más importante, y según el crítico Stephen Thomas Erlewine es un álbum “revolucionario” debido a sus “largas y entretejidas secciones instrumentales”. Este álbum introdujo un sonido basado en el entrelazamiento de las guitarras de Verlaine y Lloyd, con ciertas características del punk y el art rock y con influencias de jazz. Marquee Moon fue producido por Verlaine y Andy Johns (hermano de Glyn Johns), quien había trabajado con anterioridad como ingeniero en álbumes de bandas como Led Zeppelin. El álbum fue un éxito en el underground y entre la crítica, pero no entre el público estadounidense aunque si tuvo éxito en las listas de Reino Unido, en donde llegó al puesto #28.

Nuestro Temazo!: Marquee Moon es la canción que da título al álbum. La canción, escrita por Tom Verlaine, evolucionó desde los primeros shows en vivo de la banda a mediados de los 70, si bien cuando fue tocada en vivo por primera vez ya era un tema épico de 8 minutos con complejos cambios de escalas. A medida que la banda tocaba ese tema, cada vez se volvía más complicado y desafiante. A pesar de la duración de la canción, la cual generalmente hubiera sido demasiado larga para la mayoría de las radios, la canción fue lanzada como sencillo en el Reino Unido, teniendo un modesto éxito y alcanzando el puesto número 30 de los charts.

Existen varias versiones de la canción hechas por la misma banda. En la versión original en vinilo la canción terminaba en un fade out, cerca de los 10 minutos, pero las reediciones del álbum en CD incluían los 10:40 de la toma. Television solía utilizar esta canción para improvisar lo que llevaba a la canción a pasar los 15 minutos de duración. La canción fue grabada en una sola toma. Billy Ficca, el baterista, creyó que la banda estaba ensayando.

La canción fue considerada por la revista Rolling Stone como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, apareciendo en el puesto número 372.

Vídeos:

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Letra:

I remember
how the darkness doubled
I recall
lightning struck itself.
I was listening
listening to the rain
I was hearing
hearing something else.

Life in the hive puckered up my night,
the kiss of death, the embrace of life.
There I stand neath the Marquee Moon Just waiting,
Hesitating…
I ain’t waiting

I spoke to a man
down at the tracks.
I asked him
how he don’t go mad.
He said “Look here junior, don’t you be so happy.
And for Heaven’s sake, don’t you be so sad.”

Well a Cadillac
it pulled out of the graveyard.
Pulled up to me
all they said get in.
Then the Cadillac
it puttered back into the graveyard.
And me,
I got out again.

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Ozzy tuvo una niñez pobre, en la cual llegó a trabajar como limpiabotas. Su familia era de clase trabajadora. Con continuos problemas económicos, las peleas conyugales eran habituales, sobre todo cuando su padre llegaba borracho. Durante su adolescencia se convirtió en un gran fan de The Beatles. Es conocida su frase: “Cuando dejé la escuela, quería ser plomero. Cuando escuché a The Beatles quería ser un Beatle“.

Dejó la escuela a los 20 años, y se empleó en varios trabajos donde pagaban muy poco, optando por la vida delictiva, robando en casas hasta que lo arrestaron y fue condenado a 3 meses de cárcel. Ahí, él mismo con una aguja de coser y un trozo de grafito se hizo varios tatuajes: El de “OZZY” en sus nudillos y unas caritas felices en sus rodillas. Tras seis semanas de encarcelamiento salió libre.

Fue cantante en pequeños grupos musicales de la zona de Birmingham, hasta que conoció a Tony Iommi, Bill Ward y Terence “Geezer” Butler y formaron la banda Polka Tulk Blues Band (nombre tomado de una tienda de ropa pakistaní del área) en 1965, luego que viera un anuncio donde se buscaba a un vocalista, a la que cambiaron luego el nombre por Earth, con la que consiguieron cierta resonancia en la zona. Pero había otra banda con el mismo nombre, y decidieron ponerse otro. Se llamaron Black Sabbath.

En 1979, Osbourne es despedido de Black Sabbath debido a su adicción a las drogas y al alcohol. Fue reemplazado por el ex-Rainbow Ronnie James Dio. Más tarde debe afrontar el divorcio de su primera esposa Thelma, y se ve envuelto en una profunda depresión, que lo llevó a permanecer días enteros solo en un cuarto de hotel. Es allí cuando Sharon Arden lo convence para que continúe con su carrera musical.

A finales de los setenta, empezó a gestarse un proyecto que pasaría a llamarse Blizzard of Ozz. La primera alineación de esta formación fue Lee Kerslake (ex-Uriah Heep), Bob Daisley, (ex-Rainbow) y el guitarrista Randy Rhoads (ex-Quiet Riot). La compañía discográfica supuso que el nombre de Ozzy Osbourne vendería discos por sí solo, así que decidieron cambiar el nombre a la agrupación, que pasaría de llamarse Blizzard of Ozz a llamarse simplemente Ozzy Osbourne. Ozzy logró un considerable éxito con su primer esfuerzo en solitario, pues su debut se vendió bastante bien en la escena metalera. Blizzard of Ozz contenía canciones que se convertirían en clásicos y referentes en la carrera de Osbourne, como nuestro Temazo! semanal:  Crazy Train y la polémica Mr. Crowley (basada en la vida del famoso ocultista Aleister Crowley).

Crazy Train es una tema escrito por Ozzy Osbourne, Randy Rhoads y Bob Daisley. El tema trata la crisis personal en la que se sumió Ozzy tras su expulsion de Black Sabbath, y de la que le ayudó a salir su ahora esposa, Sharon Osbourne. Los versos “I’m going off the rails on a crazy train” (“voy rodando fuera de los raíles encima de un tren loco“) y “I know that things are going wrong for me” (“sé que las cosas van mal para mí“), tratan el tema de su situación personal en el momento de grabación del álbum. La canción fue grabada en vivo en 1981, y más tarde incluida en el álbum Tribute, lanzado el 19 de marzo de 1987, en conmemoración de la muerte del guitarrista Randy Rhoads.

En la grabación de la canción, Ozzy le pidió a Rhoads que todas las partes de la guitarra electrica fueran grabadas dos veces, para que los riffs y rasgueos se escuchen mas potentes. El guitarrista acató la orden y se dió el duro trabajo de grabar cada nota dos veces. Es por ello que en la grabación original del disco, el solo de guitarra se puede escuchar algo separado del resto de la musica, ya que fue grabado posteriormente por Rhoads.

Directo 1982 con Randy:

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Live At Budokan 2002 con Zakk Wilde:

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Video Oficial Tributo Randy:

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Live 2007:

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Bark At The Moon Tour 1984:

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Town Hall, Birmingham [26-06-10] con Gus G.:

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Live 1983 US Festival:

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Letra:

Crazy, but that’s how it goes
millions of people living as foes
maybe it’s not too late
to learn how to love
and forget how to hate
Mental wounds not healing
life’s a bitter shame
i’m going off the rails on the crazy train
I’ve listened too preachers
i’ve listened too fools
i’ve watched all the dropouts
who make their own rules
one person conditioned to rule and control
the media sells it and you live the role
Mental wounds still screaming
driving me insane
i’m going off the rails on a crazy train
I know that things are going wrong for me
you gotta listen to my words
yea-h!
Heirs of a cold war
that’s what we’ve become
inheriting troubles, i’m mentally numb
crazy, i just cannot bear
i’m living with something that just ain’t fair
mental wounds not healing
who and what’s to blame
i’m going off the rails on a crazy train!

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Joey DeMaio estaba trabajando como técnico de bajo y encargado de la pirotecnia para Black Sabbath cuando conoció a Ross the Boss (Ross Friedman) que tocaba para Shaking Street, los teloneros de Black Sabbath en esos momentos.

Reclutaron luego al vocalista Eric Adams, al cual DeMaio conocía ya desde la escuela, y al baterista Donny Hamzik y ya con el nombre de Manowar grabaron su primer álbum Battle Hymns, que incluía la canción “Dark Avenger” con una narración recitada por Orson Welles. Después de esto cambiaron de discográfica y grabaron su segundo álbum Into Glory Ride con Scott Columbus sustituyendo a Hamzik en la batería. Columbus trajo consigo su propia manera de tocar la percusión cambiando el kit estándar por uno personalizado de acero inoxidable. Su tercer álbum Hail To England fue mezclado y grabado en tan sólo seis días. Después aparecería Sign Of The Hammer, disco disonante que comenzaba a afianzar a Manowar como grupo, gracias a su as siempre presente: la potencia. Entonces se abre paso en la escena metalera Fighting The World, ya considerado uno de los mejores álbumes, que poseía temas como “Fighting the world” o “Carry On”.

En 1988 publican Kings of Metal. A partir de este disco, el grupo fue totalmente reconocido por el público con el mismo nombre del álbum. Es el disco que más refuerza su filosofía, en temas como “Kings of Metal”, o “Blood of the Kings” (la palabra King abunda en el disco). Los dos desafíos más grandes que se propuso la banda en este trabajo quedaron plasmados en forma de dos canciones: “The Crown and the Ring”, que se interpretó en una catedral antiquísima con un coro de cien voces masculinas, y “The Sting of the Bumblebee”, basada en la obra clásica El vuelo del moscardón de Nikolái Rimski-Kórsakov, y que Joey DeMaio adaptó a su instrumento, el bajo, interpretándola a una velocidad impensable, en una pura demostración de virtuosismo.

Ya en 1992 llegaba a nuestros oídos The Triumph of Steel. En este disco, cambia la formación tradicional de la banda; por un lado el guitarrista Ross the Boss es sustituido por David Shankle y por otro Kenny Earl Edwards (Rhino) sustituye en la batería a Scott Columbus, quien años después regresará. Estas nuevas incorporaciones, sin perder el espíritu de Manowar, hacen que este álbum tenga un sonido diferente, con ritmos más rápidos y un ambiente más épico.

Además de la curiosidad de tener el tema más largo de toda su carrera: “Achilles, Agony and Ecstasy in Eight Parts” de 29 minutazos este disco lleva en su interior un verdadero Temazo!, un auténtico himno con el que gozar sin parar: “Metal Warriors”

Esperemos que este próximo 10 de septiembre podamos disfrutarlo en Durango.

Video oficial directo:

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Live at Earthshaker 2005:

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Live in Greece 1993:

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Live in Bulgaria 2007:

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Letra:

Every one of us has heard the call

Brothers of True Metal proud and standing tall

We know the power within us has brought us to this hall

there’s magic in the metal there’s magic is us all

Heavy metal or no metal at all whimps and posers leave the hall

Heavy metal or no metal at all whimps and posers go on get out

Leave the hall

Now the world must listen to our decree

We don’t turn down for anyone we do just what we please

got to make it louder, all men play on ten

If you’re not into metal, you are not my friend

Heavy metal or no metal at all whimps and posers leave the hall

Heavy metal or no metal at all whimps and posers I said

Leave the hall

Now the world must listen to our decree

We don’t turn down for anyone we do just what we please

Got to make it louder, all men play on ten

If you’re not into metal, you are not my friend

There’s metal in the air tonite, can you hear it call

If you ain’t got the balls, to take it you can

Leave the hall

Heavy metal or no metal at all whimps and posers leave the hall

Heavy metal or no metal at all whimps and posers leave the hall

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Anthrax: “Enfermedad de origen telúrico, contagiosa, aguda y grave, que puede afectar a todos los homeotermos y entre ellos al hombre, causada por Bacillus anthracis“. Así define la wikipedia a la enfermedad conocida como Anthrax, la verdad es que Scott Ian tenía razón cuando decidió bautizar así a su banda al pensar que el nombre sonaría agresivo.

Corría el año 1980 cuando el señor Scott Ian (guitarra) junto con su amigo de la infancia Danny Lilker (bajo) decidieron montar un grupo de thrash metal, ese nuevo sonido que llegaba. Los dos amigos comenzaron a realizar audiciones hasta que se quedaron con Neil Turbin para el puesto de cantante, Dan Spitz a la guitara y Charlie Benante a los bombos. La banda lanza su primer álbum “Fistful of Metal” el año 1984 pero hay varias cosas que no funcionan y por diversos motivos Turbin y Lilker serían expulsados de la banda. Llegarían Joey Belladonna para asumir el papel de vocalista y Frank Bello al bajo. Queda entonces configurada la formación clásica de Anthrax.

Anthrax siempre se diferenció de las demás bandas de thrash metal en que sus letras y actitud era mucho más fiestera y positiva, alejados de la seriedad de sus compañeros del Big Four: Metallica, Megadeth y Slayer.  Así en 1985 lanzan su segundo álbum “Spreading the Disease” en el que encontramos el tema “Madhouse“, uno de los clásicos de la banda. Con este nuevo álbum y formación Anthrax comienza a labrarse un nombre dentro del mundo del metal, sin embargo la consagración el grupo llegaría un par de años después con su tercer álbum “Among the Living“. En este álbum encontramos la culminación de la banda con auténticos temazos como “I Am the Law“, “Caught in a Mosh” o nuestro temazo de hoy: “Indians“. Está claro que el álbum no llegó a ser disco de platino por casualidad.

Nuestro temazo de hoy combina poderosos rifss de guitarra con un efectivo doble bombo cuando es necesario e incluso dispone de una secuencia perfecta para el mosh. En cuanto a la letra se hace una defensa sin tapujos de los nativos americanos a los que llaman “Original Americans“. Seguramente cuando leas esto pensarás que es algo de perogrullo y muy politicamente correcto pero sinceramente no creo que en el año 87 en USA mucha gente pensara lo mismo…

Vídeos:

Videoclip original (1987):

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Con subtitulos en castellano (2005):

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Big Four Tour con homenaje a Ronnie James Dio (2010):

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Letra:

We all see black and white
When it comes to someone else’s fight
No one ever gets involved
Apathy can never solve

FORCED OUT-Brave and Mighty
STOLEN LAND-They can’t fight it
HOLD ON-To pride and tradition
Even though they know how much their lives are
really missin’
WE’RE DISSIN THEM…

On reservations
A hopeless situation
Respect is something that you earn
Our Indian brothers’ getting burned
Original American
Turned into second class citizen

Cry for the Indians
Die for the Indians
Cry for the Indians
Cry, Cry, Cry for the Indians

Love the land and fellow man
Peace is what we strive to have
Some folks have none of this
Hatred and Prejudice

WARDANCE!!!

TERRITORY, It’s just the body of the nation
The people that inhabit it make its configuration
PREJUDICE, Something we all can do without
Cause a flag of many colors is what this land is
all about!!!!

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“Toto es una banda conformada por los mejores músicos de sesión del mundo“- Eddie Van Halen. ¿Y quienes somos nostros para llevarle la contraria al señor Van Halen? Efectivamente Toto se ha caracterizado siempre por estar formado por excelentes músicos de sesión, lo cual tiene sus pros y sus contras. Por un lado la identidad propia del grupo con sus múltiples cambios de componentes nunca ha sido la mejor, sin embargo ésto también les ha permitido experimentar varios estilos musicales sin tener la obligación de ser fieles a un estilo.

Toto se forma en el año 1977 con la siguiente formación:

• David Paich – Teclados
• Jeff Porcaro – Batería
• Steve Lukather – Guitarra
• Bobby Kimball – Vocalista
• David Hungate – Bajo
• Steve Porcaro – Segundo teclado

El grupo se forma y comienza a grabar su primer álbum de nombre homónimo, sin embargo para aquél entonces la banda no disponía todavía de nombre, así que para distinguir las cintas que iban grabando en el estudio Jeff Porcaro les puso la etiqueta de “Toto” por el perro de la película “El mago de Oz”. Así pues al de un tiempo el grupo se encontró con que tenían un álbum grabado y todavía seguían sin nombre, así que lo más fácil fue elegir el nombre que ya estaba ahí: Toto.

David Paich sería el mayor artífice del primer álbum de la banda al componer casi todos sus temas incluido nuestro Temazo! de hoy: “Hold The Line“, la cual en palabras del propio Paich escribió en apenas 2 horas. Según Paich comenzó con el riff inicial del teclado y no pudo parar hasta que terminó la canción, letra incluída. Desde luego no está mal, dos horas nada más para componer un auténtico hit que pondría al grupo en órbita mundial y nos dejaría para siempre uno de los riffs de guitarra más fácilmente reconocibles.

Letra:

It’s not in the way that you hold me
It’s not in the way you say you care
It’s not in the way you’ve been treating my friends
It’s not in the way that you stayed till the end
It’s not in the way you look or the things that you say that you’ll do

Chorus:
Hold the line, love isn’t always on time, oh oh oh
Hold the line, love isn’t always on time, oh oh oh

It’s not in the words that you told me, girl
It’s not in the way you say you’re mine, ooh
It’s not in the way that you came back to me
It’s not in the way that your love set me free
It’s not in the way you look or the things that you say that you’ll do

Chorus

(Instrumental break)

It’s not in the words that you told me
It’s not in the way you say you’re mine, ooh
It’s not in the way that you came back to me
It’s not in the way that your love set me free
It’s not in the way you look or the things that you say that you’ll do

Chorus – love isn’t always on time

Hold the line, love isn’t always on time -
love isn’t always, love isn’t always on time
Hold the line, love isn’t always on time, love isn’t always on time
Love isn’t always on time, love isn’t always on time, oh oh oh

 
Vídeos:

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Directo 1979:

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Directo con orquesta:

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Directo Bilbao 2007:

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Theodore “Ted Nugent“ (13 de diciembre de 1948) guitarrista de Detroit, Michigan, saltó a la fama como el líder de Amboy Dukes. Su estilo es esencialmente rockero, aunque su filosofía de vida resulta atípica y poco frecuente en el ámbito del rock, ya que es conocido por su apasionada defensa del uso de armas y su rotunda postura de abierto desprecio hacia las drogas y el alcohol. La mayor parte del año se dedica a la caza y a organizar safaris y a coordinar un campamento en el que adiestra a niños en la manipulación de armas, aspecto que ha resultado muy polémico en su trayectoria.

Ted Nugent ya vislumbraba que su futuro no estaba con los Amboy Dukes, sino en una carrera en solitario que ya tenía los cimientos necesarios para despegar. De hecho la última época de los Amboy Dukes representó un acercamiento notorio al hard rock, más de lo que la banda había mostrado jamás. Podríamos incluso considerar que fue un experimento previo para probarse a sí mismo y estudiar su validez para emprender una carrera en solitario, relegando a la banda en un segundo plano y quedando Ted como la única cabeza visible al frente del grupo.

Fue un claro preludio de la posterior carrera solista del controvertido guitarrista. Temas como “Hibernation” o “Great White Buffalo“, que Nugent tocó en directo una vez iniciada su propia carrera y a los que recurrió con bastante frecuencia procedían de esa última etapa junto a los Amboy Dukes. Finalmente en 1975, ya tenía su banda de acompañamiento con Derek St. Holmes a la guitarra rítmica y voz, Rob Grange (ex-Amboy Dukes) al bajo y Cliff Davies a la batería.

En noviembre de ese mismo año se publica su disco de debut “Ted Nugent“, que de inmediato lo coloca como uno de los representantes más interesantes del hard rock e incluso del embrionario heavy metal que ya se practicaba a mediados de los 70. Soberbio debut de este magnífico guitarrista y compositor.

Desde la inicial y Temazo! en toda regla,  ‘Stranglehold’, cuyo solo se dice es improvisado, hasta la dinámica ‘Queen of the forest’, todo en este disco respira rock potente y muy rítmico, inspirado en las raíces más contundentes y añejas del rock norteamericano. Ted Nugent se luce a gusto una y otra vez con solos de excelente gusto y virtuosa ejecución, compaginando admirablemente su labor como guitarrista con la de compositor, ya que todos los temas que aparecen en este álbum son de altísima calidad, incluyendo sorpresas como la jazzística ‘You make me feel right at home’, deliciosa balada de exquisita musicalidad, que hace las veces de contrapunto a un disco poderoso, intenso y lleno de feeling, de los que no puedes dejar de escuchar hasta que finaliza el último de sus cortes. Difícilmente se puede encontrar un debut de tan alto calibre en el mundo del hard rock.

Directo 1978:

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Dallas International Guitar Show 2010:

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1979 C.N.E stadium, Toronto:

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Stranglehold (From “Motor City Mayhem”):

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Letra:

Like a dog in heat
Tell it’s me by the clamor now baby
I like to tear up the street,
And I been smokin for so long,
Ya know im here to stay
Got you in a stranglehold baby
You best get outta the way
Road I cruise is a bitch now baby
But no you cant turn me round
And if a house gets in my way baby
Ya know I’m tearing it down
You ran the night that you left me
You put me in my place
I got you in a stranglehold baby
You gonna cross your face

Yeah
Sometimes you wanna start higher
And sometimes you gotta start low
Some people think they gonna die someday
I got news ya never got to go
C’mon c’mon up (4 times)
C’mon c’mon c’mon c’mon baby
C’mon c’mon c’mon c’mon up
C’mon c’mon c’mon c’mon baby
C’mon c’mon c’mon

Road I cruise is a bitch now
Ya know ya cant turn me round
And if a house gets in my way
Ya know I’m burnin it down
Ya ran the night that you left me
You put me in my place
I got you in a stranglehold baby
You gonna cross your face

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Frederick Joseph Springsteen Zirilli nació en Long Branch, Nueva Jersey, el 23 de septiembre de 1949 y pasó su infancia y sus años escolares en Freehold Borough, Nueva Jersey. Su padre, Douglas Frederick Springsteen, fue un conductor de autobús de ascendencia germana e irlandesa. Su madre, Adele Ann Zirilli, era una secretaria con antepasados italianos.

Educado en un ambiente católico, Springsteen asistió a la escuela parroquial de St. Rose of Lima en Frehold Borough, donde su temprano temperamento chocó tanto con la estricta moral del colegio como con otros estudiantes. En el noveno curso, se trasladó a la escuela regional secundaria pública de Freehold, donde su disconformidad, a pesar de finalizar los estudios, se haría patente a lo largo de los últimos años, llegando incluso a evitar su propia ceremonia de graduación.

La inspiración para dedicarse a la música le vino cuando vio actuar a Elvis Presley en el programa televisivo The Ed Sullivan Show. A la edad de 13 años, compró su primera guitarra por 18 dólares, y a los 16 su madre consiguió un préstamo para comprarle una guitarra Kent que costaba 60 dólares, evento que rememoraría años más tarde en su canción “The Wish“. En 1965, se convirtió en guitarrista del grupo The Castiles, en el que posteriormente asumiría también el papel de vocalista principal.

A finales de los años 60, Springsteen participó brevemente en un trío musical conocido como Earth, tocando en clubes de Nueva Jersey. Durante este periodo, Springsteen adquirió el sobrenombre de “The Boss” debido a su trabajo a la hora de percibir el pago en los conciertos y de distribuirlo entre sus compañeros. Entre 1969 y 1971, Springsteen llevó a cabo conciertos en el entorno de Nueva Jersey acompañado del guitarrista Steve Van Zandt, el organista Danny Federici, el batería Vini López y el bajista Vinnie Roslin en una banda conocida como Child, aunque posteriormente renombrada como Steel Mill (con la adición del guitarrista Robbin Thompson). En enero de 1970, el crítico musical del San Francisco Examiner Philip Eldwood dio cobertura mediática a Springsteen y a su banda Steel Mill, escribiendo: “Nunca he estado tan abrumado por un talento totalmente desconocido”. Elwood alabó su “musicalidad cohesionada” y, en particular, señaló a Springsteen como un “compositor muy impresionante“.

Durante este periodo de tiempo, Springsteen también ofreció conciertos en clubes de Asbury Park, adquiriendo progresivamente un séquito de culto. Con la adición del pianista David Sancious, el núcleo de lo que más tarde se convertiría en la E Street Band ya estaba formado, con ocasionales aportes de una sección de vientos, un grupo vocal femenino conocido como The Zoometes y Southside Johnny Lyon en la armónica. Por otra parte, su prolífica capacidad de escribir canciones sirvió para llamar la atención de varias personas que llegarían a cambiar su vida en adelante: Mike Appel y Jim Cretecos, sus posteriores representantes, y el productor de Columbia Records John H. Hammond, quien, bajo presión de Appel, llamó a Springsteen para una audición en mayo de 1972.

Springsteen firmó un contrato discográfico con Columbia Records en 1972. Su álbum debut, ‘Greetings from Asbury Park, N.J.’, publicado en enero de 1973, estableció a Springsteen como un favorito de la crítica musical, a pesar de que las ventas fueron escasas. Debido a su influencia lírica y a la música orientada hacia el folk rock en temas como “Blinded by the Light” y “For You“, la crítica comenzó a comparar a Springsteen con Bob Dylan.

En septiembre de 1973, su segundo álbum, ‘The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle’, fue publicado y elogiado nuevamente por la crítica musical, aunque su recibimiento comercial fue tibio. Las canciones de Springsteen comenzaron a adaptarse en forma y alcance, con la E Street Band proveyendo un sonido más cercano al R&B en detrimento del folk.

El 22 de mayo de 1974, el crítico musical Jon Landau escribió en The Real Paper tras ver a Springsteen en un concierto en el Harvard Square Theater: “Vi el futuro del rock and roll, y su nombre es Bruce Springsteen. Y en una noche en la que necesité sentirme joven, él me hizo sentir como si escuchara música por primera vez“. Landau se convertiría en el representante y productor musical de Springsteen, ayudándole a finalizar su nuevo trabajo, Born to Run. A pesar de contar con un elevado presupuesto a gastar con el objetivo de crear un álbum comercialmente viable, Springsteen comenzó a estancarse en el proceso de grabación. Su grabación fue desarrollada en 14 meses, seis de los cuales fueron dedicados a nuestro Temazo! semanal “Born to Run“. Durante este tiempo, Springsteen se sintió frustrado, llegando a decir que escuchaba “sonidos en su cabeza” que no era capaz de explicar al resto de músicos en el estudio. Su principal ayuda fue Steve Van Zandt, quien ayudó a Bruce a organizar el sonido, especialmente en la sección de vientos en “Tenth Avenue Freeze-Out“, siendo finalmente añadido al elenco de la E Street Band.

El 13 de agosto de 1975, Springsteen y la E Street Band dieron comienzo a diez conciertos en cinco noches en el club Bottom Line de Nueva York. Los conciertos atrajeron a los medios de comunicación, siendo retransmitidos por WNEW-FM y sirviendo a muchos escépticos como prueba de las críticas musicales favorables. Con la publicación de Born to Run el 25 de agosto de 1975, Springsteen obtuvo finalmente éxito. A pesar de no producir sencillos de especial éxito, las canciones “Born to Run“, “Thunder Road“, “Tenth Avenue Freeze-Out” y “Jungleland” fueron promocionadas de forma masiva en cadenas de radio norteamericanas. Con sus imágenes panorámicas y su optimismo lírico, buena parte de sus seguidores consideran Born to Run uno de los mejores trabajos de Springsteen con la E-Street Band.

Tras su publicación, Born to Run alcanzó el puesto #3 en la lista Billboard 200, pasando cerca de dos años entre los 100 álbumes mejor vendidos. A fecha de 2006, Born to Run había vendido 6 millones de copias sólo en Estados Unidos, siendo el segundo álbum mejor vendido de Springsteen tras Born in the U.S.A..

 Live 1982:

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Bruce Springsteen & The E Street Band live 1978:

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Live Barcelona 2002 subtitulado:

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Live at Hammersmith Odeon, 1975:

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Letra:

In the day we sweat it out in the streets of a runaway American dream
At night we ride through mansions of glory in suicide machines
Sprung from cages out on highway 9,
Chrome wheeled, fuel injected
and steppin’ out over the line
Baby this town rips the bones from your back
It’s a death trap, it’s a suicide rap
We gotta get out while we’re young
‘Cause tramps like us, baby we were born to run

Wendy let me in I wanna be your friend
I want to guard your dreams and visions
Just wrap your legs ’round these velvet rims
and strap your hands across my engines
Together we could break this trap
We’ll run till we drop, baby we’ll never go back
Will you walk with me out on the wire
‘Cause baby I’m just a scared and lonely rider
But I gotta find out how it feels
I want to know if love is wild
girl I want to know if love is real

Beyond the Palace hemi-powered drones scream down the boulevard
The girls comb their hair in rearview mirrors
And the boys try to look so hard
The amusement park rises bold and stark
Kids are huddled on the beach in a mist
I wanna die with you Wendy on the streets tonight
In an everlasting kiss

The highway’s jammed with broken heroes on a last chance power drive
Everybody’s out on the run tonight
but there’s no place left to hide
Together Wendy we’ll live with the sadness
I’ll love you with all the madness in my soul
Someday girl I don’t know when
we’re gonna get to that place
Where we really want to go
and we’ll walk in the sun
But till then tramps like us
baby we were born to run

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Podemos remontar la historia de Pearl Jam a la década de 1980. Los orígenes del grupo se encuentran con Green River, grupo de grunge formado en 1983 con los restos de otras bandas de la escena de Seattle. Green River estaba integrado originalmente por Stone Gossard en la guitarra, Jeff Ament en el bajo, el cantante Mark Arm, el guitarrista Steve Turner y el baterista Alex Vincent. Green River llegó a grabar algunos EP y a aparecer en varias recopilaciones de artistas de su discográfica Sub Pop, pero finalmente se desintegró en 1987. Green River es recordado como uno de los primeros grupos importantes del naciente género grunge de Seattle.

Después de la ruptura, Arm y Turner crean el grupo Mudhoney, mientras que Gossard y Ament comienzan a organizar su nuevo proyecto. Hacia 1988 se unen al cantante Andrew Wood y empiezan a darle forma al grupo que se convierte en Mother Love Bone. Junto con el guitarrista Bruce Fairweather y el baterista Greg Gilmore, aparecen cada vez más dentro de la escena de Seattle y comienzan a llamar la atención por su estilo, en el que se fusionaba el glam rock con el punk. En 1989 logran que la compañía discográfica PolyGram los contrate e inician las grabaciones de lo que sería su primer álbum. Trágicamente, semanas antes del lanzamiento del álbum, Andrew Wood muere por una sobredosis de heroína, el 19 de marzo de ese año.

Con la muerte y desintegración de Mother Love Bone, Ament y Gossard comienzan una vez más la búsqueda de personal para formar un nuevo grupo. En 1990 reclutan al guitarrista Mike McCready y con él comienzan a tocar como trío de manera informal. Durante este periodo, Chris Cornell, cantante de Soundgarden y amigo personal de Wood, escribe un par de canciones en su homenaje y le pide a Ament, Gossard y McCready que lo ayuden con la grabación de las mismas. El proyecto con el tiempo crece hasta convertirse en un álbum completo de homenaje, tomando el nombre de Temple of the Dog, referencia a la letra de la canción “Man of Golden Words” de Mother Love Bone.

Sin contar aún con baterista ni cantante, el trío Ament/Gossard/McCready comienza la cacería de los nuevos miembros del grupo. La búsqueda la hacen no sólo en la escena de Seattle, sino que van más allá, buscando algún talento incluso con gente con la cual no hubiesen tenido contacto. Una de estas personas es Jack Irons, ex baterista del grupo Red Hot Chilli Peppers.

Irons les pide una demo para poder repartirlo entre sus conocidos; ellos le dan un extracto de cinco canciones del Gossman Project (Conocido actualmente entre los fans como The Stone Gossard Demo ‘91). Dicha demo contiene las canciones conocidas actualmente como Once, Footsteps, Black, Alone, y nuestro Temazo! semanal Alive todas ellas en versión instrumental. Lo que sucede a continuación ya es parte de la leyenda: Irons, en lugar de conseguirles un baterista (como podría haber sido lógico pensar), le da la demo a su compañero de baloncesto y practicante de surf de la ciudad de San Diego, el cantante Eddie Vedder, quien en ese momento trabajaba como despachador en una gasolinera.

La leyenda relata que Vedder, una vez recibido la demo, lo escucha durante toda la noche. A la mañana siguiente, cuando surfeaba como era su costumbre, la música rondaba aún por su cabeza y de esa forma le vienen las letras a la mente. Ya en casa, aprovechando el momento de inspiración, graba las voces de tres de las canciones, renombrándolas como “Alive“, “Once” y “Footsteps“. Estas canciones Vedder las concibe, como él dirá después, en forma de una mini-ópera, la cual es conocida como la “Mamasan Trilogy“. Vedder envía de vuelta a Seattle su demo, la cual impresiona fuertemente a Mike, Stone, Jeff y a su nuevo miembro, el baterista Dave Krusen. En menos de una semana Vedder está en Seattle e inmediatamente dan comienzo las sesiones de lo que será el nuevo disco de la banda, aún sin nombre.

Los meses siguientes avanzan demasiado rápido para la naciente banda: en noviembre comienzan la grabación de su primer demo profesional, durante febrero de 1991 salen de gira por toda la Costa oeste de los Estados Unidos como teloneros de Alice in Chains y para marzo entran de nuevo al estudio para comenzar las grabaciones de su primer disco.

Después de firmar con Epic Records, el grupo se ve obligado a cambiar su nombre por problemas comerciales. Aquí comienzan una serie de teorías y mitos acerca del origen del nombre de la banda, que ahora ya es un símbolo en la historia musical moderna: Pearl Jam. El más famoso de los mitos proviene de Vedder mismo. Él narra como su bisabuela, de nombre Pearl, estaba casada con un nativo americano al que ella le preparaba una jalea (jam en inglés) hecha a base de peyote. A pesar de ser considerada como verdadera por mucho tiempo, esta historia es en realidad una broma de Vedder.

En la revista Rolling Stone apareció un reportaje en el cual mencionan una historia diferente acerca del origen del nombre. En ésta cuentan que el grupo tenía entre sus posibles nombres la palabra «Pearl». Después, durante un concierto de Neil Young, cuentan que éste comenzó a realizar unos jams (improvisaciones) que impresionaron al grupo. En ese momento fue Jeff Amentt el que comentó que el grupo podría llamarse Pearl Jam, idea que fue aceptada por los demás integrantes que estaban escuchando el concierto como parte del público. Al parecer es esta la historia real, ya que son varios los miembros del grupo que la relatan.

Pearl Jam estaba listo para comenzar una prometedora carrera, sin embargo, estando en puerta el debut discográfico, Dave Krusen, es sustituido por Matt Chamberlain . Después de algunos conciertos (incluido el concierto de donde se filmó el vídeo de la canción “Alive“), Chamberlain deja Pearl Jam para ser sustituido por Dave Abbruzzese; Abbruzzese se une al grupo durante la gira de apoyo del nuevo disco y forma parte de Pearl Jam por dos álbumes más.

El primer disco del grupo ve la luz por fin el 27 de agosto de 1991 con el título de Ten, en homenaje a Mookie Blaylock (dicho jugador utilizaba el número diez en su camiseta) y acompañados por el Temazo!: ”Alive“, que es lanzada como su primer sencillo. El disco, al lado de Nevermind de Nirvana, es considerado uno de los motores que dieron al movimiento musical de Seattle su auge mundial.

Es una de las primeras composiciones del grupo, ya que la música fue escrita por el guitarrista Stone Gossard cuando aún existía el grupo Mother Love Bone y forma parte de The Gossman Project bajo el título “Dollar Short“. La letra sería escrita tiempo después por Eddie Vedder.

Si bien no consiguió un gran éxito comercial (tan sólo alcanzó el lugar #16 en las listas de Billboard y de Canciones de Rock Mainstream), se ha convertido en una de las grandes favoritas de sus seguidores y en una constante en las estaciones de radio desde que fue lanzado, además de ser una de las más solicitadas durante los conciertos.

Previa a ser lanzada comercialmente, “Alive” fue lanzada como un CD y casete promocional, teniendo diferente arte en la portada y un lado B distinto. Mientras que “Wash” fue la canción que acompañó al álbum en la versión comercial, fue “I’ve Got a Feeling” la que fue lanzada en la versión promocional. También, el solo de guitarra al final de “Alive” tuvo diferencias entre la versión que apareció en Ten y la del sencillo.

La canción, como Vedder ha revelado, es parte autobiográfica y parte ficción. Cuando Eddie era un adolescente, su madre le reveló que el hombre que conocía como su padre en realidad era su padrastro, y que su padre biológico estaba muerto. Este es el tema que abre la Trilogía Mamasan, y trata principalmente sobre el incesto que ocurre entre la madre y su hijo, al tener este un enorme parecido con su padre biológico.

“Alive” incluye un largo solo de guitarra después del tercer estribillo (3:38), el cual es una de las razones para que sea de las canciones consentidas por los fans. El solo de “Alive”, ejecutado por Mike McCready, está calificado con el #44 en la lista de los mejores solos de guitarra, realizada por la revista Guitar World, y en el lugar #26 de la lista de la revista Total Guitar.

Video Oficial:

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Live Roskilde Festival 1992:

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TD Garden (Boston, MA) 5.17.2010:

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Live 1992:

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MTV Unplugged:

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Letra:

son she said

have i got a little story for you

what you thought was your daddy

was nothin’ but a….

while you were sittin’

home alone at age thirteen

your real daddy was dyin’

sorry you didn’t see him

but i’m glad we talked…

i…i…i’m still alive (3x)

oh she walks slowly

across a young man’s room

she said i’m ready…for you

i can’t remember anything

to this very day

‘cept the look…the look…

now i can’t see,…i just stare…

i…i…i’m still alive (4x)

is something wrong

she said

of course there is

you’re still alive

she said

do i deserve to be

is that the question

and if so,…if so…

who answers?

who answers?

i…i…i’m still alive

i…i…i’m still alive

i…i…i’m still alive

i…i’m still alive

yeah yeah yeah yeah

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Corría el año 1970, Eric Clapton acababa de dejar Cream y andaba en búsqueda de un nuevo grupo. Tras algún intento con el dúo Delaney and Bonnie Eric decide que lo mejor es crear su propio grupo. Así, con la ayuda del teclista Bobby Whitlock, el bajista Carl Radle y el batería Jim Gordon funda Derek and the Dominos.

Una vez formado el grupo comienzan las composiciones y la banda entra a grabar su primer álbum llamado “Layla and Other Assorted Love Songs“. Sin embargo nada más comenzar las grabaciones un nuevo componente se uniría al grupo, nada más y nada menos que el genial guitarrista Duane Allman a quien conocieron en un concierto de su grupo The Allman Brothers Band. Clapton y Allman enseguida congeniaron y comenzaron a poner en común sus ideas para el álbum de Derek and the Dominos.

Tal sería la influencia de Duane Allman que a él le debemos el genial riff inicial de “Layla”, nuestro temazo de hoy. La canción tiene una historia más que interesante. Resulta que Eric Clapton escribió la canción para Pattie Boyd, en aquellos momentos mujer del beatle George Harrison, de la cual estaba totalmente enamorado. Al parecer a Harrison , que era buen amigo de Clapton, esto no le importó y siguió varios años casado con Pattie. Sin embargo al final acabarían divorciándose y Pattie y Clapton casándose. Aunque la felicidad no fue completa ya que esta nueva pareja también acabaría divorciándose… en fin, un culebrón de los buenos que al menos nos dejó una grandísima canción.

De nuestro temazo de hoy cabe destacar el gran riff inicial y el pique de guitarras que se produce entre Allman y Clapton para dejar paso después a un excepcional final de unos cuatro minutos de duración a base de piano a cargo de Jim Gordon combinado con guitarra acústica.

Versión de estudio:

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Directo 1984:

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Letra:

What’ll you do when you get lonely
And nobody’s waitin by your side
You’ve been runnin and hidin much too long
You know it’s just your foolish pride

Layla, you got me on my knees
Layla, I’m beggin darlin, please
Layla, darlin, won’t you ease my worried mind

Tried to give you consolation
When your old man had let you down
Like a fool, I fell in love with you
you turned my whole world upside down

Layla, you got me on my knees
Layla, I’m beggin darlin, please
Layla, darlin, won’t you east my worried mind

Let’s make the best of the situation
Before I finally go insane
Please don’t say we’ll never fingd a way
Don’t tell me all my love’s in vain

Layla, you got me on my knees
Layla, I’m beggin darlin, please
Layla, darlin, won’t you east my worried mind

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